Técnicas del Arte

Giuseppe Arcimboldo. Otoño. 1573. óleo sobre lienzo. Louvre, Par�s

     En arte se conoce como óleo a los aceites que se usaban para combinar con otras sustancias y obtener así un producto idóneo para la pintura y como extensión, se fueron llamando óleos a la misma pintura en sí.

       El uso del óleo se conoce desde la Antigüedad y estaba ya extendido entre los artistas de la Edad Media sobre todo combinándolo con la pintura al temple o al fresco. Con esta mezcla retocaban las obras realizadas en yeso y conseguían así un secado más rápido. Con el avance y las investigaciones de la alquimia se fueron inventando mezclas favorables para los resultados de la pintura. El aceite que más se empleaba era el de linaza que solía mezclarse con los pigmentos de minerales que son los que proporcionan el colorido, pero no era el único y cada artista en su taller tenía su propia fórmula que guardaba muy en secreto. Muchos siguieron los consejos y experiencias escritos en el Tratado del monje Teófilo que ya se conoce y se menciona en el año 1100.

     Esta pintura obtenida con la mezcla de óleos ofrecía muchas ventajas al pintor, entre otras, el poder realizar su obra lentamente y sin prisas de acabado (lo contrario de lo que ocurría en la pintura al temple, o al fresco), el poder retocar la obra día a día, variar la composición, los colores, etc.

      Las bases sobre las que se aplica el óleo son diversas, sin que por ello varíe su aspecto. Lo que si varía es la técnica de preparación de estas bases pues es muy distinto pintar sobre lienzo, tabla, fresco o cobre. A partir del siglo XVII con el arte barroco los pintores eligieron como soporte favorito de sus pinturas al óleo sobre lienzo, siendo este más práctico para la elaboración de grandes composiciones, que la tabla. De tal forma tomó importancia el material empleado por los artistas que se empezó a emplear la palabra lienzo u óleo en lugar de cuadro para designar las obras pictóricas. Los primeros grandes artistas de pintura al óleo fueron los flamencos.

      La tradición sostiene que fueron los hermanos Van Eyck los que inventaron la pintura al óleo. Esta afirmación que no tiene ningún fundamento, se basa en que, efectivamente fueron ellos, sobre todo Jan, los que explotaron las innumerables posibilidades de esta técnica, infrautilizada hasta entonces.

      Van Eyck utilizaba el óleo con gran precisión y los venecianos (Tiziano) lo ampliarán aprovechando las posibilidades de textura de la pintura con base de aceite. La perspectiva aérea la desarrolla Leonardo de Vinci (la Gioconda). El flamenco Rubens, pintor barroco parte de una base oscura o neutra. Estos pintores se caracterizaban por ser directos en grado extremo (capas con gran vitalidad y mínimas correcciones). Rembrandt creará el “grisaille”; éste se convirtió en el método académico en el siglo XVIII. En el Romanticismo hay mayor libertad técnica. En el impresionismo los pintores usan una técnica más directa. En el expresionismo abstracto hay un intento de primar la expresión en lugar de la corrección técnica, igual que los neoexpresionistas.

     El equipo que usan estos artistas son pinceles (cerda blanca o marta roja, también de pelo sintético, y diferentes tamaños), espátula, caballete y paleta. Las técnicas fundamentales son, trabajar por capas, o en directo “alla Prima”.

Óleo sobre un muro

En primer lugar, el artista se disponía a preparar la pared para recibir la pintura. La técnica está descrita por Giorgio Vasari (1511-1574), arquitecto y pintor teórico del arte italiano:

Primero se satura la superficie del enlucido con varias capas de aceite cocido, hasta llegar al punto en que la pared ya no absorba más. Cuando está la superficie seca se aplica una capa de blanco de plomo, de aceite, de amarillo de plomo y de arcilla refractaria. Se dan las últimas capas con polvo de mármol muy fino y cal, más una aplicación de aceite de lino. Para terminar, se extiende una mano de pez griega.

Óleo sobre tela o lienzo

Es el soporte para pintura más utilizado, óleo sobre tela. Se recomienda realizar una “imprimación” o un alistamiento de la tela para que los poros o huecos que quedan entre las fibras No consuman tanto óleo al pintar sobre ella, así mismo, para hacerla más resistente a los materiales y al tiempo.

Óleo sobre tabla

Esta técnica fue la utilizada preferentemente por los artistas de la pintura flamenca. Sin embargo, gran número de pinturas italianas de la primera época renacentista estaban pintadas sobre tabla. Se preparaba la tabla con una capa de carbonato de cal terroso (creta) blanco y cola animal. De esa manera la madera resultaba compacta y lisa, a la espera de la pintura.

Es importante que la tabla a usar se encuentre en óptimas condiciones y de preferencia sea nueva.

Óleo por veladuras

El óleo trabajado a base de veladuras es la técnica de pintar que más se utilizó en el Renacimiento. También fue frecuentemente utilizada por artistas posteriores. Rembrandt, por ejemplo, finalizaba sus cuadros con numerosas veladuras de color transparente sobre la base seca. La veladura consiste en capas muy delgadas de pintura, de forma que se transparente la capa inferior, así el color que veremos es el resultado de la mezcla del color inferior más el de la veladura.

Para realizar una veladura es necesario que la capa inferior esté perfectamente seca. Dicha capa inferior puede ser de óleo o de acrílico, pero nunca debe hacerse al contrario, es decir, no debe pintarse acrílico sobre óleo. En la antigüedad se utilizaba frecuentemente una base de temple sobre la que, una vez seca, se iban añadiendo las sucesivas veladuras de color al óleo. La transparencia y profundidad conseguida así dan una calidad inimitable a las obras pintadas enteramente siguiendo esas técnicas.

Para adelgazar la pintura se deben usar médiums sintéticos, especialmente concebidos para este uso. No conviene usar aceite de linaza porque resbala el color y se puede mezclar en otras zonas.

Curiosidades

Existía un pigmento llamado marrón de momia que se obtenía de la descomposición de las momias que se importaban de manera clandestina desde el siglo XII.

Los distintos artistas tenían y tienen sus trucos para poder dar a la pintura el aspecto de veladuras, imágenes en profundidad, y detalles microscópicos. La técnica para estos casos era o es diluir más o menos la pintura en aceite de linaza mezclado con esencia de trementina. Respetando siempre el graso sobre magro. Las capas inferiores se diluyen en esencia de trementina (capa magra ya que la esencia de trementina es una disolvente). Si en las siguientes capas necesitamos una pintura más fluida se tiene que diluir con medium (dos partes de esencia de trementina y una de aceite de linaza), por lo tanto en esa capa la pintura tendrá un mayor porcentaje de grasa que la anterior.

El color llamado rose doré utilizado para los rostros se obtenía con la orina de las vacas indias previamente alimentadas con hojas de mango. Poco a poco fue cayendo en desuso.

El rojo intenso se hacía con ayuda de un insecto llamado cochinilla.

En la antigüedad el color más costoso era el azul ultramar, obtenido de una piedra semi preciosa, el lapislázuli. Era el color utilizado en la pintura de los mantos de la virgen, y era frecuente que su cantidad, uso y extensión fuera objeto de especificaciones muy precisas en los contratos realizados entre los comitentes y el artista.

Los artistas venecianos de final del siglo XV fueron los primeros que utilizaron el lienzo libre montado sobre un armazón.

La tela alcanzó su máximo esplendor como soporte en el siglo XIX con los impresionistas, cuando se comenzó a extender la pintura al aire libre y se hicieron necesarios soportes más ligeros y fáciles de transportar.

Acuarela

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    La acuarela es una pintura sobre papel o cartulina con colores diluidos en agua. Los colores utilizados son transparentes (según la cantidad de agua en la mezcla) y a veces dejan ver el fondo del papel (blanco), que actúa como otro verdadero tono. Se compone de pigmentos aglutinados con goma arábiga o miel. En sus procedimientos se emplea la pintura por capas transparentes, a fin de lograr mayor brillantez y soltura en la composición que se está realizando.
Albrecht Dürer, Joven Liebre, 1502, Acuarela

HISTORIA DE LA ACUARELA

    La pintura a la acuarela empezó con la invención del papel en China poco después de 100 AC. En el siglo XII los moros introdujeron la fabricación del papel en España y la tecnología se extendió a Italia décadas más tarde. Algunos de los más antiguos fabricantes de papel incluyen a Fabriano (en Italia), abierto en 1276, y Arches (en Francia), abierto en 1492.

El antecesor de la acuarela en Europa fue el fresco — pintura mural usando pigmentos en un medio acuoso sobre yeso húmedo. Un buen ejemplo de fresco es la Capilla Sixtina, iniciado en 1508 y completado en 1514.

El primer uso conocido de la acuarela en Europa es por el pintor renacentista italiano Raffaello Santi (1483-1520), quien pintaba en grandes cartulinas como bocetos de tapices.

En Alemania, Albrecht Dürer (1471-1528) pintó acuarelas en el siglo XV. La primera escuela de acuarela en Europa fue liderada por Hans Bol (1534-1593), influida por las creaciones de Dürer.

Otros famosos artistas usaron la acuarela para completar su obra al óleo, incluyendo a van Dyck (1599-1641), Thomas Gainsborough (1727-1788), y John Constable (1776-1837).

En la Gran Bretaña del siglo XVIII, Paul Sandby (17251809) fue llamado padre de la acuarela británica.

Uno de los acuarelistas más famosos es Joseph Mallord William Turner (1775-1850), que fue precursor de las técnicas que posteriormente desarrollarían las vanguardias. Sus cuadros reflejan magníficamente la luz y el movimiento.

Acuarela

El término acuarela se refiere frecuentemente a la acuarela transparente o gouache (una forma opaca de la misma pintura.).

La acuarela está hecha de pigmento fino o tinta mezclada con goma arábiga para darle cuerpo y glicerina o miel para darle viscosidad y unir el colorante a la superficie a pintar. Un relleno sin pigmentar se añade al gouache para dar opacidad a la pintura.

Toda acuarela palidece si se expone al sol, los colores permacenen cuanto más calidad tienen los pigmentos. Podemos encontrar los colores en tubos o pastillas, en las dos formas vemos las diferencias entre pigmentos, por ejemplo con el azul de manganeso conseguimos una granulación.

Técnica

La técnica “transparente” de la acuarela implica la superposición de lavados finos y se basa en la blancura del papel para obtener sus efectos y los toques de luz. A medida que se superponen más lavados el color se hace más profundo, el color de la acuarela se puede modificar añadiendo o quitando agua, usando pinceles, esponjas o trapos.

La acuarela nos da muchas posibilidades… la técnica del lavado nos permite crear degradados o lavados uniformes, incluso superposición de colores. Con la técnica húmedo sobre húmedo pintamos con la acuarela sobre el soporte ya humedecido, que nos da un efecto diferente. También podemos realizar lavados del pigmento una vez seco, dependiendo del papel, del pigmento y la temperatura del agua. La limpieza con esponja u otro elemento absorbente, el raspado son algunos ejemplos de las amplias posibilidades que ofrece la acuarela.

Soporte

El soporte más corriente para esta técnica es el papel y existe gran variedad de texturas, pesos y colores, y su elección depende del estilo del artista. Existen tres tipos estándar:

  • Papel prensado en caliente (hp), tiene una superficie dura y lisa, muchos artistas consideran una superficie demasiado resbalosa y lisa para la acuarela.
  • Papel prensado en frío (no), es texturado, semiáspero, adecuado para lavados amplios y lisos.
  • Papel áspero, una superficie granulada, cuando se aplica un lavado se obtiene un efecto moteado por las cavidades del papel.

El peso del papel es la segunda consideración para su elección, un papel más pesado tien menos tendencia a ondularse, para evitar esto deberíamos tensar el papel.

7 comentarios en “Técnicas del Arte

  1. Hola… Solo quería alegrar tu día con un comentario desde las profundidades de la tierra.

    Si he dejado un poco de lado tu blog, lo siento. También el mío lo he dejado de lado. Pero tu blog esta re bueno y tienes hartas visitas y ahora tiene un comentario más.

    Además todo lo que hay que saber del blog, tú ya lo sabes y puedes trabajarlo tu misma. Así es que ánimo y que no decaiga tu animo.

    Tu hijo que te quiere. muuuuuuuuuuchoo
    NiKo

  2. Hola,
    Gracias a tanta tecnologia tan a la mano te acabo de conocer en uno de mis cotidianos viajes por el cibermundo. Yo soy una amante de lo que nos ofrece la vida, cientifica porque ahi me ha llevado el rio, pero artista de corazon. Aun a las alturas de un doctorado en ciencias he decidido explorar el mundo artistico y aprender todo lo que pueda. Tu blog me parecio bastante util/didactico, y pues queria agradecerte. Tambien, si se puede, vendria bien cualquier consejo sobre que es clave para ser un buen ilustrador o artista, en especial cuando practicamente se esta empezando.
    saludos y suerte!
    Naturalia

  3. HOLA

    Me encanta el mundo de la pintura y soy autodidactica.
    Los cuadros que mas me gustan y disfruto pintandolos son los de acuarela, pero los pintados al oleo tienen mas ventajas ya que se pueden retocar mucho mas en caso de algun fallo.
    Me gusta tu blog y te agradeceria poder recibir nuevos comentarios,porque los consejos siempre vienen bien.
    GRACIAS

  4. Soy pintora autodidacta por mas de 7 años , esto apasiona , es lo mas sublime que uno se pueda imaginar , siento que dejas el alma en cada uno de los cuadros , son hijos que nacen cuando los terminas , estoy feliz por que he conseguido que una profesional de la pintura sea mi critica , estoy muy feliz .
    En estos momentos me estoy preparando para participar en la bienal de acuarela a la cual he sido invitada

  5. Soy una persona de tercera edad, y hasta ahora estoy estudiando óleo. Les comparto que he logrado grandes satisfacciones y magníficos resultados, porque toda la vida me ha apasionado la pintura en todas sus formas.
    Gracias por todo lo que nos aportan.

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